O labirinto do mundo: faiança portuguesa

No meu anterior post, apresentei um prato de faiança portuguesa, representando uma árvore, que se desenvolvia do centro para os bordos, que eu interpretei como sendo uma representação da árvore da vida, embora sem certezas ou fundamentos.

Mencionei também que o meu amigo Manel possui duas peças de faiança com este tema das ramagens, que me levam a supor a existência de uma manufactura de cerâmica, algures no Norte do País, que se tenha dedicado a estes temas das árvores e ramagens, que crescem de uma forma intrincada, com se pretendessem figurar o labirinto da vida .Claro, não tenho fundamentos nenhuns para esta suposição, a não ser os de uma certa semelhança estilística. Nenhuma das três peças está marcada e arrisco-me a estar aqui a escrever um grande disparate.

O tardoz da travessa está também decorado

Mas, voltando aos pratos do Manel, numa travessa, o tema dos ramos que se cruzam e descruzam foi levado tão longe, que artista, virou a peça ao contrário e continuou a pintar o tardoz com o mesmo tema. Em outro pratinho, o pintor fez uma orla de ramagens intrincadas umas nas outras.

Tenho uma certa intuição de quem pintou o meu prato fez também a travessa e o pratinho de sobremesa que pertencem ao Manel. Seria certamente algum artista fascinado com os efeitos estéticos produzidos pelos ramos e os troncos de uma árvore ou arbusto, que tentou recriar em peças de loiça. É muito provável que este artista tivesse uma instrução rudimentar. Mas não lhe faltou capacidade de despertar sentimentos complexos ao observador passados cento e vinte ou 150 anos. Se no meu prato, pintou aquilo, que parece uma de árvore da vida, na travessa, que também terá executado, sentimo-nos diante de uma representação do labirinto do mundo, em que genealogias de seres humanos confundem-se, misturam-se e partem em direcção a lado nenhum. Sei que não estou a ser objectivo, mas há modestas obras de arte como esta, que me provocam sentimentos fortes.

O verso da travessa também está pintado com o mesmo tema do labirinto de ramos que se cruzam e entrecruzam

Árvore da vida: um prato em faiança portuguesa

Já há alguns anos que tenho este grande prato de faiança comigo, com cerca 35 cm. de diâmetro, que sempre me intrigou pela sua decoração, representando uma espécie de arbusto ou árvore em flor, de uma forma muito simplificada, mas ao mesmo tempo muito conseguida do ponto de vista decorativo. Esta tendência que se nota neste prato para a abstracção de um motivo da natureza, fez-me recordar desde logo a arte islâmica. Aliás, sempre o achei que tinha um certo ar da cerâmica de Iznik.   

 

Azulejos de Iznik da Fundação Calouste Gulbenkian

Contudo é um prato de típico da cerâmica portuguesa, com uma faiança sem grande qualidade, provavelmente do século XIX e talvez fabricado região do Porto, pois foi adquirido no Norte. No reverso não apresenta marca nenhuma e apresenta os típicos gatos destes objectos que já tiveram muito uso. 

 

 Mas a decoração continuava a intrigar-me. Recordava-me uma representação gráfica que um dia tinha visto num desses programas da BBC sobre a evolução das formas de vida na terra, em que todo começa na água com seres de uma só célula, que dão origem a outros seres, que passam para a terra, representados por ramos crescendo em direcção a todos lados. Uns ramos morrem, outros continuam, outros ainda bifurcam-se, constituindo assim um emaranhado, que representa as espécies extintas e aquelas que continuaram e deram origem a novos seres e novos animais, plantas ou hominídeos. Mas, claro, nunca levei os sentimentos, que este prato me despertou muito a sério. A nossa imaginação não tem limites e a realidade não é aquilo que nos desejaríamos que fosse.  

Colcha com bordado de Castelo Branco. do Museu Nacional de Arte Antiga, inv.3465 tec

Contudo há uns tempos, passou-me pela mão o catálogo Colchas de Castelo Branco : Percursos por terra e mar - [Castelo Branco] : IMC/Museu de Francisco Tavares Proença Junior : ADRACES-Associação para o Desenvolvimento da Raia Centro-Sul, 2008 e ao folheá-lo encontrei uma colcha do Museu Nacional de Arte Antiga, representando uma romãzeira, que me lembrou, não sei porquê, o meu prato. Fui ler a entrada descritiva e descobri, que aquela colcha representa a árvore da vida, um símbolo muito antigo, comum a várias religiões, inclusive ao Cristianismo. Porque as suas raízes se mergulham na terra e os seus ramos se elevam no céu, a árvore é universalmente considerada como um símbolo das relações que se estabelecem entre o céu e a terra.

Portanto, a decoração do meu prato mais não é do que a representação de uma árvore da vida, só que adaptada ao formato circular de um prato. O crescimento dos ramos que procuram a luminosidade dos céus desenvolve-se num movimento em espiral feito a partir do centro, em direcção aos bordos daquela peça de loiça.

Claro podemo-nos perguntar, em meados do século XIX, conheceriam os ceramistas fracamente instruídos de uma qualquer oficina de Gaia ou do Porto, o significado da árvore da Vida?

Talvez não soubessem explicar com palavras de gente erudita o significado da árvore da vida. Mas já teriam visto colchas de Castelo Branco e frontais de altar azulejos com esse motivo, ou ainda árvores de Jesse, nas igrejas que frequentariam, que certamente os impressionaram. Os padres também não deixariam decerto de evocar este simbolismo da árvore nas suas sermoneias. Por conseguinte, julgo que era natural, que quando estes ceramistas pegassem no pincel, esta imagem da árvore a desenvolver-se em direcção ao céu lhes surgisse como qualquer coisa poderosa, que desejassem reproduzir num prato. E a verdade é que ainda hoje, passados uns bons cento e cinquenta anos este prato mantêm intacto o seu fascínio simbólico.

 

Um bordado dos finais do século XIX feito em Chaves

O bordado mede 53 x 54 cm. No final, apresenta a legenda Amor Felial, as abreviaturas de Sagrado Coração de Maria e o local de execução, Chaves

Há pouco tempo, a Maria Andrade apresentou no seu blog, um mostruário de bordados em ponto de cruz e achei que era de todo o interesse apresentar aqui, uma variante desse tipo de trabalho, que esteve muito em voga entre as meninas de família, nos séculos XVIII e XIX e julgo que ainda no início do século XX, por toda a Europa e nas Américas.

O bordado foi feito pela minha bisavó

Estes mostruários são conhecidos pelo termo inglês, samplers, que vem do francês exemplaire. Na sua origem, no século XVI, foram repositórios de motivos decorativos, representando animais, frutos, flores ou letras ou ainda de diferentes tipos de pontos. Como na época, não existiam revistas de modas e bordados, onde as senhoras se pudessem inspirar para fazer novos trabalhos, precisavam de um pano onde pudessem registar todo o tipo de pontos e decorações, que iam aprendendo com as amigas, de modo a utiliza-los em futuros lavores. Estes primitivos samplers eram normalmente longas tiras de tecido, integralmente preenchidas com padrões bordados, pois os tecidos eram caros e convinha não desperdiçar. Eram peças muito valorizadas e passavam de mães para filhas e eram pois uma espécie de livro de exemplos de bordados.

Com a generalização da imprensa, os livros e revistas de bordados começaram a ser mais acessíveis a todas as senhoras e no século XIX, os samplers já eram mais um exercício de virtuosismo de meninas de boas famílias, que aprendiam simultaneamente a bordar e as letras do alfabeto.

Claro mantinham ainda a função de repositório de pontos, como se pode ver no exemplar feito pela minha Bisavô, que apresenta vários tipos de caligrafia, que certamente foram usados como modelos para marcar lençóis, toalhas de mesa e sacas de guardanapos. Como muitos ainda saberão, no passado era vulgar as meninas bordarem as suas iniciais nas peças do enxoval que iam confecionando antes de casarem. Assim as suas peças não se misturavam com as das suas irmãs casadoiras, além de que, como existia o hábito de mandar lavar a roupa fora, no rio, às lavadeiras, não haveria trocas com a roupa de outras clientes e nem se perdiam as preciosas sacas de guardanapo ou fronhas..

O bordado está datado, 1891

Esta peça que hoje apresento tem um valor acrescido. Conhecemos o nome do seu autor, que foi a minha bisavó paterna, Ana Maria da Conceição de Morais Alves (1881-1974), está datada de 1891 e indica ainda o local da sua realização, a cidade de Chaves. A minha bisavô terá feito este bordado em ponto de cruz, com 9 ou 10 anos, mostrando assim os seus dotes de menina bem comportada

Nas últimas linhas, lê-se ainda "Amor Felial", e as abreviaturas de "Sagrado Coração de Maria". Este bordado é muito semelhante aqueles que se encontram nos samplers dos países anglo-saxónicos, onde além dos abecedários, existe sempre um dito de natureza moral moral ou religiosa.

Este trabalho está emoldurado, pendurado na sala de jantar de casa do meu pai e sempre que lá como em casa, sinto um pouco a presença da menina que o bordou há 122 anos atrás. 

Fontes:

Wikipedia: http://en.wikipedia.org/wiki/Sampler_(needlework)

O grande livro das antiguidades. Rebo International, 2002

Hay un angel en Guadalupe

Estive o fim-de-semana passado, na Estremadura Espanhola, já na fronteira com Castela, numa terra perdida nas montanhas, onde no Século XIV, houve uma aparição da Virgem, que deu lugar a uma das mais importantes devoções marianas de toda a hispanidade, a Virgem de Guadalupe. À volta deste culto construiu-se um mosteiro dos Jerónimos e uma povoação para acolher milhares de peregrinos vindos de Espanha e Portugal e mais tarde da América Latina. Claro, este centro de peregrinação não é tão antigo e nem nunca foi tão importante como Santiago de Compostela, que atraiu romeiros desde os confins da Europa. A Virgen de la Gudalupe permaneceu sempre um fenómeno exclusivamente ibero-americano.

No entanto, sendo uma vila pequena, Guadalupe apresenta um casco histórico muito interessante e o mosteiro tem uma colecção muito rica, de paramentária, bordados oferecidos à Virgem, iluminuras, telas de Rubens, El Greco e sobretudo de Zurbaran, que é um dos meus pintores preferidos. A chatice é que a visita ao mosteiro é guiada, andámos todos a toque de caixa atrás do guia e para vislumbrar as obras foi necessário afastar à cotovelada uma trintena de excursionistas beatas da terceira idade. Quando chegámos à sacristia e estava eu ainda indeciso sobre para qual dos quadros do Zurbaran olhar, já a guia tocava no apito para zarparmos para outra sala. O Manuel disse-me logo que era preferível eu ver os quadros na net.

As tentações de S. Jerónimo de Zurbaran é um dos muitos tesouros que o Mosteiro de Guadalupe guarda

No entanto, o Mosteiro é muito bonito. É daquelas obras de arquitectura que foi sendo acrescentada ao longo de séculos, de forma quase orgânica, mas que manteve uma unidade estilística, quase por acaso, talvez a partir das cores do tijolo e da pedra com que foi sendo construído.

O estilo Mudéjar

Fascinaram-me particularmente as janelas mudéjares do lado poente do edifício. Para os menos familiarizados com a história da arte, mudéjar designa a população islamizada, que ficou em Espanha e em Portugal depois da reconquista cristã. Muitos desses mouros ou mouriscos eram artificies ligados à construção civil, especialistas entre outras coisas no uso do tijolo burro. Os novos senhores cristãos apreciaram a arte destes operários, que levantaram edifícios maravilhosos como o Alhambra em Granada e contrataram estes alvanéis para construir igrejas e mosteiros cristãos, segundo as plantas e modelos vigentes da arquitectura europeia, mas em tijolo e com decorações de evidente sabor mourisco. O resultado desta síntese entre a arte dos trabalhadores mouriscos e a arquitectura cristã é o estilo mudéjar, de que estas janelas de Guadalupe são um óptimo exemplo. Aqui em Portugal, temos uma igreja mudéjar, que quase minguem conhece, Castro de Avelãs, em Bragança e onde se pode admirar a arte de trabalhar o tijolo dos alvanéis mouriscos num edifício tipicamente românico.

À volta do mosteiro cresceu uma povoação, que está bem preservada, em que quase todas as casas tem galerias, destinadas a abrigar os peregrinos das chuvas e permitir o pequeno comércio debaixo dessas arcadas.

Estrategicamente há fontes em pedra por toda a vila, para saciar a sede dos peregrinos e das suas montadas, que chegavam extenuados a Guadalupe depois de terem percorrido um longo caminho através das várias regiões das Espanhas. Uma delas, talvez a mais simples, a fonte del angel encantou-me particularmente pela sua simplicidade.

A fonte del Angel

Por uma estranha associação de ideias e sensações, não consegui deixar de trautear a aquela música do Miguel Bosé, hay un angel en tu mirada, quando olhava para aquele anjo em granito, encimado por uma Cruz.

No he podido escapar
De ese aquí, de ese allá
Me deje dominar... Poco a poco...poco
(…)
Me sentí castigar
Te dije si... si...
Por tu forma de amar...
Tan salvaje...
Hay un ángel en tu mirada
Inquietante tabú

A elegância do Vieux Paris

O meu amigo Manel não tem o hábito de comemorar os anos. Quase sempre deixo passar a data e este ano não foi excepção. Lembrei-me dessa falha quando estava na Feira de Estremoz ao ver a chávena que vos trago hoje, absolutamente perdida no meio da maior caqueirada. Sabem como é, aquelas bancas, que vendem tudo a um euro ou cinco euros? 

Percebi que o Feirante não fazia a menor ideia do que estava a vender, ao pedir-me cinco euros, por esta chávena e pires, em bom estado de conservação, que me pareceram desde logo porcelana de Paris e do início do século XIX, até porque a chávena não tinha asa, que normalmente é um bom indicador de que a peça é antiga.

Ofereci assim a chávena ao Manel, que ficou todo contente e a colocou junto a uma outra chávena, da mesma época, decorada segundo um desenho de Adam Buck, sobre a qual já aqui escrevi. 

Como disse no início, por uma espécie de intuição, presumi que esta chávena fosse porcelana de Paris, mas claro, não tinha a certeza, pois a peça não está marcada como era frequente entre os fabricantes sediados na capital francesa, entre 1770-1850.

Para saber mais sobre esta chávena, parti então para o google armado de uma santa paciência e fiz várias pesquisas combinando os termos bol et soucoupe, porcelaine vieux Paris e ainda Teabowl and Saucer com Paris Porcelain.

Chávena e Pires. Porcelana de Clignancourt. ca. 1790. Victoria & Albert Museum

Obtive os primeiros resultados no Victoria And Albert Museum, ao encontrar uma chávena da Manufactura de Clignancourt, datada de cerca de 1790, com uma decoração com algumas semelhanças à peça que ofereci ao Manel e pintada nos característicos dourados da porcelana de Paris.

Continuei as minhas pesquisas, mas sem resultados conclusivos, pois entre 1770-1850, Paris é o centro das artes, da moda, da literatura e da cultura e todos os fabricantes de porcelana europeus, de Lisboa a St. Petersburgo copiaram os modelos manufacturados na cidade da luz. De modo que encontrei uma ou outra coisa da Fábrica de Porcelanas de Nyon na Suiça, com muitas semelhanças com esta chávena e ainda descobri que na Bélgica, a porcelaine Vieux Bruxelles, muito procurada pelos antiquários, inspirou-se na porcelana de Paris.

Passei depois à pesquisa bibliográfica e encontrei um livro estupendo, Porcelaine de Paris / Régine de Plinval de Guillebon : 1770-1850 . - Fribourg : Office du Livre, [cop. 1972], que me forneceu mais algumas pistas e explicações. 

Porcena de Paris. Fleury. Museu Nacional de Arte Antiga

Encontrei reproduzidas nestes livro duas fotografias de duas chávenas, uma no Museu Nacional de Arte Antiga e outra no British Museum com decorações idênticas às da peça do Manel, que me levaram a ter quase a certeza que a chávena do meu amigo é porcelana francesa. A primeira foi fabricada por Flamen-Fleury e a segunda por Potter.

Chávena e Pires por Potter & Blancheron , ca. 1794. British Museum

Em todas estas chávenas, incluindo a do Manel, se encontra uma característica muito própria de muitas das produções da porcelana Vieux Paris. Enquanto nas formas a porcelana de Paris imita muitas vezes a ourivesaria, nas decorações a fonte de inspiração é a arte dos tecidos. E de facto, se olharmos bem para a chávena do Manel, a decoração poderia ser um muito bem o estampado ou a passamanaria de um vestido estilo império. Talvez por isso, a chávena do Manel ficou tão bem ao lado da chávena decorada com um desenho do Adam Buck, representando uma Senhora com um Vestido Estilo Império.  

Uma dama, um cofre e um incêndio

Desde há muito anos que sou um comprador compulsivo de estampas. E esta que apresento hoje, é daquelas que comprei já há mais de vinte anos, mas que só há pouco consegui descobrir alguma coisa sobre a sua história.

Representa uma senhora, tendo aos seus pés um cofre cheio de moedas e ao fundo um prédio em chamas. A senhora segura um escudo com uma legenda, onde se lê Companhia de Lisboa. Pareceu-me desde logo óbvio, que esta dama em trajes greco-romanos era uma alegoria aos seguros e que a estampa terá sido recortada de alguma apólice, de um folheto anunciando uma companhia de seguros ou de um outro qualquer documento relativo à actividade seguradora.

A estampa é de pequenas dimensões

Quanto à data, pelo estilo da grinalda que enfeita o topo da estampa e pelas fatiotas da Senhora, pareceu-me tudo muito ao gosto neoclássico das primeiras décadas do Século XIX. Lá atrás, a casa em chamas, é um típico prédio pombalino, daqueles da Baixa, que ainda estavam a ser construídos no início do século XIX, pois como toda a gente sabe, a reconstrução pombalina, prolongou-se muito além do consulado do Marquês de Pombal.

Mas, na altura, fiquei-me por aqui, entretanto divorciei-me, mudei de casa, pendurei a estampa na casa de banho, a tapar um ponto de electricidade e nunca mais pensei muito nela, até há uns dias, quando me passou pela mão o livro A companhia de Seguros Fidelidade no seu primeiro centenário: 1835-1935. – Lisboa: Fidelidade, 1935. Como deverão calcular, não é suposto, nós, os bibliotecários lermos todos os livros que catalogamos. Mas pelo menos temos que os abrir, ler na diagonal o prefácio, os sumários, os índices e folheá-los, para identificar os assuntos que tratam. Assim, perfeitamente ao acaso, na página onde abri o livro descobri uma estampa com evidentes semelhanças com a minha, também de uma Companhia Lisboa. Embora o mundo das seguradoras não seja propriamente uma área que me a apaixone, fiquei de atenas no ar e desatei a ler as primeiras páginas da obra.

Estampa reproduzida na obra A companhia de Seguros Fidelidade no seu primeiro centenário: 1835-1935. – Lisboa: Fidelidade, 1935

Segundo esta obra, a primeira notícia da fundação de uma companhia de seguros é do ano de 1792. Nos anos sequentes vão aparecendo mais companhias, como por exemplo a Bonança, em 1808, que até há bem pouco tempo existia e depois de 1822, em data incerta a Lisboa ou Lisia, que subsistia, em 1835, no momento da Fundação da Fidelidade.

Mais tarde, por indicação do meu amigo de Outeiro Seco, o Humberto, descobri no site http://historiadoseguro.com a data exacta da Fundação da Companhia Lisboa, que foi no ano de 1819.

A Companhia Lisboa ou Lisia não durou muito mais tempo e foi em 1839, absorvida pela Fidelidade, que eliminou assim uma concorrente do mercado. A Lisboa parece que estava mais especializada na cobertura de sinistros causados pelos fogos, daí o incêndio representado na estampa, ao contrário da Fidelidade que começou a sua actividade com os seguros marítimos.

A Companhia Lisboa dedicava-se à cobertura dos estragos causados por incêndios

Finalmente, graças também ao meu amigo Humberto, que descobriria o tumulo de Alexandre Magno, se lho pedissem, confirmei a minha impressão inicial, de que esta estampa fez parte de um documento oficial. Com efeito, foi muito provavelmente recortada de um certificado de seguro, conforme se pode ver num documento datado de 1828, passado em nome de duas senhoras, a D. Maria Madalena de Lima e D. Francisca Gutier, que cobria o risco de incêndio de uma casa na Rua Filipe de Nery, n.ºs 21 a 23.

Imagem retirada de http://www.forum-numismatica.com/viewtopic.php?f=84&t=88334.

Quanto à Lísia, que no início, pensei tratar-se do nome do impressor da estampa, afinal foi um dos nomes da companhia de Seguro.

Durante muito tempo, pensei que "Lisia" fosse a assinatura do impressor ou gravador. Afinal era um dos nomes da Companhia de Lisboa

Mais, Lísia é efectivamente o nome da Senhora, que segura o escudo. Lísia é um termo hoje caído em desuso, mas usado pelos poetas dos finais do XVIII ou inícios do XIX, como Bocage ou a Marquesa da Alorna, como sinónimo de Portugal. Bocage escreveu em 1792,  um poema, Liberdade, onde estás? Quem te demora?, onde emprega precisamente a palavra Lísia, como sinónimo de Portugal, segundo li em http://lusofonia.com.sapo.pt/literatura_portuguesa/bocage.pdf.

Liberdade, onde estás? Quem te demora?
Quem faz que o teu influxo em nós não caia
porque (triste de mim!), porque não raia
já na esfera de Lísia a tua aurora?

Mas Lísia, não era só um termo literário. Era também representada na pintura, no desenho e na gravura, como uma mulher, uma alegoria, representando Portugal, conforme se pode ver numa estampa da Biblioteca Nacional, de 1838, intitulada Lysia apresenta às quatro partes do Mundo o retrato do grande Marquez de Pombal

http://purl.pt/6781

Em suma, esta Dama que figura na minha estampa, será afinal, Lísia, uma alegoria a Portugal.

Não encontrei muito mais informações sobre esta antiga seguradora, mas consegui datar a minha estampa com alguma segurança, entre 1819 e 1839,  perceber que foi muito provavelmente recortada de um certificado de seguro, descobrir graças aos meus amigos Maria e Andrade e Humberto quem foi esta Lísia e trazer à luz do dia esta Companhia de Lisboa ou Lísia, que produziu esta gravura com tema tão curioso.

Divina Pastora: uma elegante simplicidade

Nas últimas semanas, tenho andado encantado com esta estampa religiosa, que comprei naquela feira de alfarrabistas, junto à Livraria Bertrand. Representa a Nossa Senhora e Jesus, vestidos de pastores a apascentar um rebanho de ovelhas. Apresenta a seguinte legenda Estas imagens do Sr. Pastorinho e da Sra. Pastorinha se venerão em o Convento de Santa Marta de Jezus desta cidade, O Emmo Sr. Cardeal Patriarca concede 40 dias de Indulga q.m rezar huma Ave Maria, e a Jaculatória. Ó may Pastorinha pedi ao Pastor nos de Paz e Concórdia, e nos livre do Tremor.

Através da leitura da legenda percebi de imediato que esta estampa foi impressa necessariamente depois do Terramoto de 1755, por causa da expressão nos livre do tremor. Enfim, como todos podem calcular, os lisboetas da segunda metade do Século XVIII, viviam apavorados com a perspectiva da ocorrência de um novo e terrível sismo e claro, recorriam à religião para os livrar dessa sinistra possibilidade. Por outro lado, o Cristo e a Virgem são representados respectivamente com o Sagrado Coração de Jesus e de Maria, devoções que se tornaram comuns em Portugal durante o reinado de D. Maria I (1777-1816). Portanto esta estampa, tinha que ser coisa datada para os finais do século XVIII.

O Sagrado Coração de Jesus e de Maria são devoções já típicas do Reinado de d. Maria I

Em todo o caso, fiquei muito intrigado com esta Devoção mariana, da Senhora Pastorinha, de que nunca tinha ouvido falar e fui fazer umas pesquisas na internet.

Descobri na wikipédia em castelhano, que a representação de Nossa Senhora como pastora teve origem em Espanha, no início do Século XVIII, mais propriamente na cidade de Sevilha, com o frade capuchinho espanhol, Frei Isidoro de Sevilha. Na obra La Pastora Coronada, este religioso descreve uma visão que teve de Nossa Senhora, em que a Virgem está sentada numa rocha, com um chapéu de pastora na cabeça e um báculo na mão. Na mão esquerda sustenta o Menino e pousa a sua mão direita sobre um cordeiro, que acolhe no regaço. Algumas ovelhas rodeiam a Virgem formando um rebanho, cada uma com a sua rosa na boca, simbolizando as Ave-maria com que a veneram. Este Frei Isidoro de Sevilha encomendou inclusive ao artista espanhol Alonso Miguel de Tovar, uma tela, representando com precisão a sua visão da Divina Pastora. Esse quadro faz hoje parte da colecção do Museo Carmen Thyssen de Málaga.

A Divina Pastora. Alonso Miguel de Tovar. Colecção do Museo Carmen Thyssen de Málaga

Na iconografia Cristã, a representação de Cristo com bom pastor é antiquíssima, data ainda do tempo das Catacumbas. A associação de ideias é óbvia. Cristo é o pastor, que conduz o seu rebanho, isto é, a comunidade de fiéis ao bom caminho e à salvação. Já mais estranha poderá ser a representação de Maria como boa Pastora, já que a mãe de Cristo na sua vida terrena nunca foi uma profetisa ou uma líder de uma comunidade. Mas no Catolicismo, há a partir de certa altura, uma tendência em atribuir a Maria as mesmas qualidades e sentimentos de Cristo. Nossa Senhora é como um espelho de Jesus. Assim, por exemplo, paralelamente à imagem do Cristo Crucificado, existe uma Nossa Senhora das Dores, com sete espadas espetadas no coração, mostrando ao crente que Maria sofreu no seu coração todos os flagelos infligidos a Cristo. O mesmo fenómeno de associação se observa nesta iconografia da Senhora Pastorinha. À semelhança de Cristo, Maria é transformada numa pastora dos homens, como uma mãe que cuida dos seus filhos e intercede por eles junto a Deus.   

Mas, voltando à origem da devoção, o culto da Divina Pastora tornou-se desde logo muito popular em Sevilha, estendeu-se ao resto da Espanha alcançou Portugal ainda no século XVIII e chegou as Américas, nomeadamente o Brasil e à Venezuela.

Maquineta representando a Divina Pastora. Museu Nacional de Arte Antiga. Foto http://www.matrizpix.dgpc.pt/

Aqui em Portugal, encontrei no catálogo Crowning glory : images of the virgin in the arts of Portugal. - Lisboa : Gabinete das Relações Internacionais, 1997 uma maquineta, pertencente ao Museu Nacional de Arte Antiga, datada dos finais do Século XVIII, com uma escultura em Barro representando a Divina Pastora, Inv. 17189 TC e que proveio do Antigo Convento do Sacramento.

A minha estampa representará uma pintura que existiu no antigo Convento das Clarissas, onde hoje é o Hospital de Santa Marta. Foto www.monumentos.PT
 

Aliás esta minha estampa será a reprodução de um conjunto de imagens ou mais provavelmente de um quadro, que em tempos existiu também numa casa religiosa de Lisboa, o Convento de Jesus, em Santa Marta, onde hoje é o Hospital de Santa Marta. De fundação jesuítica, esta casa que passou em 1583 a convento de religiosas Clarissas, era um dos muitos edifícios religiosos que abundavam em Lisboa e que estavam cheios de obras de arte, que iam desde esculturas, a ourivesaria, passando por quadros, talhas e paramentária. Em 1834, com o Liberalismo foram todos extintos e mal morresse a última freira os bens passavam para o Estado. No site, monumentos, da antiga Direcção-Geral dos Edifícios e Monumentos Nacionais, que descreve este antigo convento, encontrei transcrito um inventário das pinturas, feito em 1888 pela Fazenda Nacional, em que se refere, que na capela do dormitório do segundo pavimento existia um quadro com uma pintura de Nossa Senhora como Pastora. A minha estampa será talvez uma reprodução desse quadro da Divina Pastora referido no inventário de 1888. Quem sabe?

Em todo o caso fiquei rendido a estas imagens de Nossa Senhora como Divina Pastora. Não é uma pastora pobre e esfarrapada, pois traja com uma simplicidade elegante. Os chapéus que usa, enfeitados com flores, tem qualquer coisa da coquetterie da Rainha Maria Antonieta de França, quando se vestia de pastora e brincava no hameau de la Reine, uma pequena aldeia rústica, que mandou construir perto do Petit Trianon, em Versalhes e para a qual convidava apenas o seu círculo mais intimo e onde todos se divertiam imensamente a ordenhar vaquinhas, a regar legumes ou a colher flores. Estas imagens da nossa Senhora como Divina Pastora são um bom exemplo do bucolismo pastoril, mas elegante, que é um tema muito comum da arte dos finais do XVIII.

Os chapéus à pastora estavam na moda na Corte de Luís XVI e de Maria Antonieta. Auto retrato de Madame Vigée Le Brun, pintora oficial da corte