O Imcontro da Snra

Datada certamente do século XVIII, esta estampa é um dos muitos cristos que espreitam das paredes da minha casa e é talvez um dos meus preferidos. Representa, uma das estações do Calvário, o quarto passo, em que Jesus encontra a sua mãe, aqui representada como a Nossa Senhora das Dores, com uma espada trespassando o seu Coração.

Para os mais novos ou aqueles que não tiveram uma educação católica, as estações do calvário representam os vários momentos da paixão de Cristo, desde a sua condenação passando pela morte, até à deposição no túmulo. O caminho da cruz é uma cerimónia religiosa, que ocorre na Páscoa, que comporta muitas vezes uma procissão, intercalada por prédicas e meditações, diante de 14 quadros ou estampas, crucifixos ou capelas dispostas dentro ou fora da igreja, que representam a subida ao monte Calvário onde Cristo foi morto. Como em cada um desses momentos, se pára ou melhor se estaciona, cada um dos passos é conhecido pelo termo estação.

Esta cerimónia da reconstituição do Calvário foi trazida da Terra Santa pelos franciscanos, que a introduziram na Europa e foi tendo várias variantes, já que assenta mais na tradição do que foi a vida de Cristo e menos nos Evangelhos. Para os menos familiarizados com estas coisas da Igreja, para além das quatro versões oficiais de Lucas, Marcos, João e Mateus há mais relatos da vida de Cristo, a chamada literatura apócrifa e muitas vezes são esses textos que mais influenciram a arte e as tradições populares, como por exemplo, todos os episódios mais pitorescos da fuga para o Egipto, com nossa senhora, o Menino Jesus, S. José e o burrinho.

Mas em todo o caso, no Século XVI, a Igreja Católica definiu as Estações do Calvário em XIV, que passo discriminar de em seguida, pois dão muito jeito para se perceber o que se vê no interior das igrejas e ao longo das aldeias e vilas portuguesas:

1 - Jesus é condenado à morte

2 - Jesus carrega a Cruz

3 - Jesus cai pela primeira vez

4- Jesus encontra a sua mãe

5- Simão de Cirene ajuda Cristo a carregar a sua cruz.

o 5º passo, segundo uma obra da época

6 -Santa Verónica limpa o rosto de Jesus

7 - Jesus cai pela segunda vez

8 - Jesus encontra as mulheres de Jerusalém que choram

9-  Jesus cai pela terceira vez

10- Jesus é despojado de suas vestes

12- Jesus morre na cruz

13- Jesus morto nos braços de sua Mãe

14 - Jesus é sepultado

Esta minha estampa, em que o tema da paixão que é pela sua natureza muito cruel foi tratado com uma certa suavidade muito característica da arte portuguesa. A estampa, não está assinada, mas o nome é indicado o nome do vendedor, Francisco Luís Pinheiro, que tinha uma loja em frente aos Mártires, no nºo 27, segundo os Subsídios para a história da gravura, de Luís Chaves.

Meditações sobre a Paixão de Cristo. Uma obra do séc. XVIII.

A estampa terá sido destacada de um livro de meditações sobre a vida de Cristo ou talvez fizesse parte de um conjunto de folhas soltas, destinadas a adornar as paredes de uma igreja.

Um desenho de Francesco Bartolozzi

Uma das seguidoras deste blog, uma coleccionadora de coisas antigas e boas, normalmente designada por Seguidora Misteriosa, teve a gentileza de me enviar um desenho assinado pelo célebre gravador italiano Francesco Bartolozzi (1725–1815).

Fiquei muito excitado com a ideia de poder escrever sobre um desenho original de Bartolozzi, o célebre gravador italiano, que se radicou em Portugal e fui tentar informar-me um pouco sobre a obra deste homem e descobri, que talvez o desenho não seja tão original como à primeira vista parece.

Segundo o catálogo da exposição Francesco Bartolozzi: desenhos de um gravador. – Lisboa: IPM, 1996, cujas informações me serviram para alinhavar este texto, Bartolozzi não era propriamente um grande criador, como o foram um Leonardo da Vinci, um Amadeo Souza Cardozo, ou um Georges Latour. Bartolozzi é um antes de mais nada um gravador, isto é, um artista que se limita a interpretar a obra de outrem.

Portanto, Bartolozzi limitou-se a gravar a obra de grandes artistas do seu tempo, como o inglês Joshua Reynolds ou os portugueses, Domingos Sequeira, Francisco Vieira Portuense ou ainda o italiano Pellegrini.

Contudo, traduzir é trair e o artista italiano ao interpretar a obra de grandes pintores dava-lhes o seu cunho pessoal e usando técnicas de gravuras muito inovadoras, como o puntinato (em português ponteado), que permitia uma distribuição subtil das cores, conseguia resultados, que eram diferentes dos originais.

Thomas More por Holbein e gravado por Bartolozzi

Bartolozzi é também um homem com uma produção muitíssimo abundante. São conhecidas mais de 2.500 gravuras assinadas por ele, feitas a partir da obra de 360 artistas diferentes.

Mas então se este homem copiava ou reinterpretava os originais de grandes artistas como se justifica a existência de este desenho com um traço delicado, representando um Cristo, assinado por ele?

Apesar de ser um gravador de tradução, Bartolozzi era um desenhador extremamente hábil, qualidade que tinha a ver com a sua técnica de trabalho. Com efeito, raramente abria uma obra a partir do original. Passava sempre a papel o desenho das obras a serem gravadas, o que lhe permitia a apreensão plena do espírito do seu autor. Por essa razão se conservam por todo o lado muitíssimos desenhos de Bartolozzi, copiados a partir de desenhos ou pinturas de artistas consagrados.

Julgo que este belo desenho da nossa Seguidora Misteriosa se trata de uma dessas cópias preparatórias, que Bartolozzi fazia antes de abrir a gravura.

Quanto à sua datação, arrisco a data-la entre 1808 e 1815. Em 1802, Bartolozzi chegou a Portugal com um belíssimo estatuto, foi nomeado director da aula de gravura, frequentava a corte e recebia boas encomendas. Porém, com a chegada dos invasores franceses e a fuga da corte para o Rio de Janeiro, Portugal entrou numa situação económica terrível e as boas encomendas acabaram. Para sobreviver, Bartolozzi dedicou-se aos temas religiosos, que apesar da crise tinham sempre público. Executou gravuras para missais e outros livros litúrgicos, como por exemplo, para o Missale romanum de 1820, publicado já depois da sua morte de 1820 e terá também se dedicado aos registos de santos como o Senhor Jesus da Consolação de 1808.

Missale romanum de 1820, com estampas de Bartolozzi. Biblioteca do Museu Nacional de Arte Antiga

Este trabalho da estampa religiosa é pouco imaginativo, com limitações impostas pelos editores e pelo público, mas a delicadeza do traço do desenho lá está nesta obra que a nossa amiga quis partilhar connosco.

Bule da Fábrica de Loiça de Sacavém

Poucas serão as famílias portuguesas que não têm uma peça de faiança da Fábrica de Sacavém em casa. Estas loiças são praticamente uma referência nacional, como o galo de Barcelos, o Atum Bom Petisco ou uma dessas outras marcas que acompanharam a vida de gerações de portugueses. É certo que a produção da fábrica seguia muito de perto as modas da faianças inglesa, pois seus patrões eram britânicos, mas como conseguiram fazer chegar os seus produtos a quase todos os lares do nosso País, passámos a identificar o serviço do cavalinho com os nossos pais, avós e as casas antigas de família, ricas ou remediadas.

Apesar de a loiça de Sacavém, existir em todas as casas e ser a faiança mais abundante em todas as feiras de velharias, continua a surpreender-nos pela variedade da sua produção, que se estendeu por um período de quase um século e meio. Foi aquilo que me aconteceu a mim e ao Manel quando descobrimos este bule de chá no chão da Feira de Estremoz. Achamo-lo tão raro, que à primeira vista nos pareceu inglês. Mas quando, o virámos lá vimos a marca de Sacavém e ainda por cima das mais antigas.

Segundo o Dicionário de marcas de faiança e porcelana portuguesas- Lisboa: Estar Editora,1996 esta marca data de cerca de 1870

O Manel comprou o Bule por um preço muito em conta e colocou-o no aparador da sala jantar, onde expõe os azuis e brancos, essa combinação que se tornou a imagem de marca da cerâmica em Portugal.

Um Dragão em Fronteira

Na melhor rua da vila de Fronteira no Alentejo, onde de um lado e outro abundam belas casas senhoriais dos séculos XVIII e XIX, cheias de uma dignidade contida, há um chalet construído nos finais do século XIX, que se destaca pela sua arquitectura exuberante, espalhafatosa, quase gótica. Trata-se certamente de uma chamada casa de brasileiro, isto é um palacete construído por algum português que fez fortuna nas terras de Vera Cruz e quando voltou à Santa Terrinha, fez erguer um palacete construído segundo a última moda de Manaus, a mítica cidade do Amazonas onde se fizeram fortunas alucinantes e o dinheiro era tanto que se construiu uma ópera para atrair o grande Caruso.

Aliás, em Portugal a casa de brasileiro, passou a ser uma expressão que designa um determinado de vilas e palácios, com uma arquitectura tendencialmente vertical, normalmente vilas e palácios, construídos nos finais do XIX, princípios do XX e decorados de forma exuberante, com muitos azulejos, ferros forjados, janelas e vidros coloridos.

A porta com motivos arte nova e vidros coloridos (foto do Manel)

Foram construídos por portugueses regressados do Brasil e foram alvo de chacota da boa sociedade de então, conforme nos testemunham os textos satíricos dos escritores da época. Camilo Castelo Branco escreveu acerca delas Vão-se os olhos naquilo! Esta maravilha arquitectónica devem-na as artes ao gosto e génio pinturesco de um rico mercador que veio das luxuriantes selvas do Amazonas, com todas as cores que lá viu de memória e todas aqui fez reproduzir sob o inspirado pincel de trolha.

No entanto, o tempo perdoa muita coisa e hoje cento e dez anos depois, essas casas parecem-nos charmosas nas suas fantasias decorativas, como este palacete de Fronteira, com um dragão no pináculo, a sugerir um romance da Idade Média ou as suas varandas com o ferro forjado arte nova. E depois, em comparação com os caixotes da arquitectura modernista dos anos 60, 70, 80 e 90, tudo o resto nos parece aceitável e humano.

Vue de la nouvelle décoration de la Foire Saint-Germain

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Recentemente, encontrei esta estampa do século XVIII por um preço irrisório na Feira de velharias de Estremoz. Representa a Feira de St. Germain e fiz algumas pesquisas para saber mais sobre gravura em que personagens galantes se passeiam tendo por detrás um cenário de edifícios característicos do classicismo francês.

Num site sobre história do teatro, http://cesar.org.uk//, baseado na tese de doutoramento de uma senhora, uma tal Nuria Aragonès Riu, encontrei a explicação para esta imagem curiosa. A Vue de la Nouvelle Décoration de la Foire Saint-Germain é uma vista óptica mostrando a nova feira de st- Germain, em Paris, reconstruída após o incêndio de 1762. Portanto, a estampa pode ser datada a partir de 1763, ano em que a feira reabriu as suas portas até mais ou menos aos anos de 1780, a julgar pelas toilletes das personagens.

Quatro versos alexandrinos lêem-se no rodapé da gravura Des cendres d’Ilion renait une autre Troye/Vesnés de toutes parts livrés vous à la Joye/Un prince bienfaisant our recréer Paris/A rétabli ce lieu digne séjour des Ris”. Esta alegoria poética compara a nova Feira de S. Germain com a destruição e reconstrução da antiga Tróia.

A feira é representada com uma arquitectura neoclássica, idealizada. Os transeuntes são em número reduzido e pertencem à nobreza, como nos indicam os trajes sumptuosos.

A fidalguia e grandes burgueses passeando-se na feira

Esta imagem simétrica e regular contrasta com as descrições que as fontes da época fazem dela, caracterizando-a como um evento bem popularucho, como aliás são sempre as feiras em toda à parte do mundo. Também não se sabe e esta gravura representa com fidelidade a arquitectura da feira, já que esta foi novamente destruída em 1779, penso que por outro fogo.

A gravura apresenta uma curiosidade suplementar, no centro está representando um teatro, o chez les Nicolet, que pertenceu a um dos mais célebres comediantes populares franceses, Jean-Baptiste Nicolet (1728-1796).

As personagens da Commedia dell’arte:Cassandro, Pierrot, Isabel, Arlequim e Colombina. No topo das porta o monograma do Rei Luís

No balcão do teatro encontramos os personagens típicos da Commedia dell’arte, o velho Cassandro, Pierrot, uma personagem feminina, sem dúvida, Isabel, Arlequim e ainda uma outra figura que é possivelmente Colombina. Era hábito, os actores destas companhias fazerem umas representações gratuitas no exterior, para atraírem o público ao interior do teatro, onde se desenrolava o verdadeiro espectáculo e esse claro, era pago.

Julgo que esta estampa seria talvez uma forma de a companhia popular de Nicolet arvorar-se ao estatuto de uma grande companhia de teatro, frequentada por um público saído da nobreza ou da grande burguesia e sedeada num edifício clássico, o que não correspondia à verdade, pois era uma companhia de feira, em que os momentos cómicos se misturavam com números de malabarismo e espectáculos de marionetas. Em todo o caso, a popularidade de Nicolet foi tanta, que em 1772, o Rei Luís XV viu o espectáculo e apesar de ser um homem blasé, gostou e a companhia pode então intitular-se pomposamente La Troupe des Grands-Danseurs du Roi.

A estampa saiu da casa editora Basset, na rua de S. Jacques, em Paris, conhecida impressora e loja de estampas de temas populares, cuja existência de prolongou pela primeira metade do século XIX fora. Esta editora era um negócio familiar, que passava de pais para filhos e é mais provável que esta estampa tenha sido dada à luz no tempo de André Basset (1749?-1785?)

Na nossa Biblioteca Nacional existe uma estampa assinada por este André Basset, representado uma vista idealizada de Lisboa reconstruída depois do Terramoto e que também apresenta o título principal invertido. Julgo que se este artifício se destinava a que a gravura fosse vista através de um espelho, já que na decoração das casas francesas do século XVIII era costume usar 4 espelhos colocados simetricamente, um cada canto da sala.

O leque da pequena Cândida (1919-1929)

Há uns anos descobri na casa da família materna um embrulho, com uns 3 ou 4 cadernos escolares, preenchidos com uma letra infantil, uma lousa da escola e um leque infantil com um gato. O referido embrulho estava identificado como tendo pertencido a Maria Cândida, uma das irmãs da minha mãe, que morreu com 10 anos de idade. Emocionei-me com o pouco que a Maria Cândida deixou da sua existência, pois para além destes cadernos e do leque com o gatinho, que imaginamos que deveria ser o seu pequeno tesouro, ficou uma fotografia dela morta e julgo que é a única imagem dela. Claro, as suas roupas passaram para os irmãos mais novos, porque nos anos vinte, não havia lugar para a desperdícios ou superstições em vestir aos vivos roupa que pertenceu a mortos.

Também já não há ninguém que se lembre da pequena Maria Cândida viva. A minha mãe nascida em 1927, já não se recordava dela. A irmã do meio a Francisca também poucas memórias tinha dela. Sabia que era parecida com a irmã, tinha as mesmas pernas compridas de aranhiço, mas só por causa desta fotografia. Só a Maria Adelaide, a irmã mais velha se lembrava da Maria Cândida. Recordo-me de a ouvir contar que os pais lhe tinham prometido uma surpresa e ela convenceu-se que era uma boneca. Quando finalmente a surpresa nasceu na forma de uma menina, a Maria Cândida, a minha tia Maria Adelaide chorou e chorou de desgosto durante horas inconsoláveis, sentada nos degraus de uma escada, pensando na boneca que não recebeu.

Tirando estes pequenos episódios quase patéticos, não restou quase nada dos 10 anos de vida da Maria Cândida. Já não há ninguém vivo que a tivesse conhecido para a chorar. Ficou este leque com o gatinho.

O chá da Mimi: o discreto bom gosto da Vista Alegre

Há peças que nos marcaram desde a infância e este serviço da Vista Alegre, decorado em tons de beije e ouro velho, que se encontrava na casa da minha avó Mimi, tornou-se para mim uma espécie de arquétipo do que é o bom gosto e a discrição. Os meus pais têm um serviço de chá semelhante, mas mais recente e durante alguns anos fui oferecendo à minha sobrinha Maria peças de um conjunto de jantar com uma decoração parecida. Depois da casa da minha avó ser desmanchada fiquei com o serviço de chá e não me canso de admirar a sua distinção sóbria. Aliás é curioso, que o Manel também se deixou encantar por ele e comprou numa casa de velharias um serviço de café igual a este só que em tons de azul celeste.

A marca das peças é aquela que a Vista Alegre usou entre 1922-1947 e posso talvez presumir que a minha avó Mimi o tenha comprado logo a seguir ao seu casamento nos anos 20.

Aliás comprou o conjunto todo, jantar, café e chá, mas os meus irmãos e eu repartimo-lo e agora cada um de nós tem a sua parte, o que pena tê-lo desmembrado, mas a vida é mesmo assim. Gosto tanto dele, que até já comprei duas peças do Serviço de Jantar na feira da Ladra, um prato coberto e uma travessa, mas não é fácil encontra-lo.

Resolvi partilha-lho hoje convosco, apesar de não ter nenhum bolo para acompanhar, como nos concorridos chás das terças-feiras, dados pela nossa Maria Andrade.

Faiança dos Ratinhos: ancestrais e modernas

O prato da segunda seguidora Anónima

As peças de faiança conhecidas pelos Ratinhos são objecto por parte dos seus proprietários de um verdadeiro culto. São loiças simultaneamente ancestrais e modernas, pois os desenhos tanto podiam ter saído das mãos de um artesão muçulmano da idade Média como da imaginação de um Picasso ou de um Matisse. E no entanto, estas faianças não se confundem com mais nenhumas outras.

Talvez por causa desta singularidade dos Ratinhos, os posts que lhes dediquei ao longo deste blog sobre este assunto são dos mais consultados e certamente por essa razão, as pessoas contactam-me por e-mail enviando-me cópias dos seus Ratinhos. Nem sempre os publico no blog, pois sou um mero amador e não sei o que dizer sobre esses pratos, para além de que gosto deles. Mas desta vez resolvi fazer um apanhado e mostrar os que gostei mais e submete-los à apreciação desta tertúlia virtual, que formam os seguidores do meu blog. Gostava particularmente que a primeira seguidora misteriosa se pronunciasse quanto à classificação deles.

O primeiro é um prato gigantesco com 53 cm, que pertence a segunda seguidora anónima, que agora regressou ao nosso convívio. Esta peça de dimensões excepcionais está também marcada, o que é raríssimo. Foi feita na Casa de loiças de Justiniano Adélio Semedo. Procurei no Sandão e no Queiroz referência a este artesão e não encontrei nada. No entanto, a proprietária. Informou-me que no 4º leilão da colecção de António Capucho IV, na página nº 131 aparece um prato atribuído a Coimbra, com a seguinte referência Depósito de louça de João Marcelino Semedo.

Imagem gentilmente enviada  pela Seguidora Misteriosa, do catálogo do Leilão do Palácio do Correio velho, Colecção António Capucho, Parte IV, 2005

Ora como já vimos aqui no post sobre faiança de Coimbra, a profissão de oleiro e fabricante de faiança passava de pais para filhos é natural que este João Marcelino seja familiar do Justiniano e que se trata da mesma oficina. Quanto à decoração o prato classifica-se no género zoomórfico.

O Prato da Quina

Outro prato da Quina

o prato da Quina de decoração irradiante

Depois a nossa amiga idanhense a Quina, enviou-me dois pratos lindos com uma cercadura decorada e um terceiro de decoração irradiante, isto para usar a classificação citada pela Maria Andrade e que julgo ser da autoria da primeira seguidora misteriosa.

O prato da Constança

Seguem-se dois pratos enviados pela Constança, o primeiro com duas folhas que se distribuem livremente pela superfície e o segundo, absolutamente espectacular, dividido ao meio com duas flores nas bordas. Nunca tinha visto nada como este prato e acho-o de um modernismo assombroso, embora tenha sido feito por uma mulher ou homem que não sabiam ler.

O prato da Constança. Um modernismo que parece ter saído de um tempo em que Picasso, Matisse ou um Amadeo Souza Cardoso agitavam Paris

Finalmente o Luís, enviou-me uma imagem de um Ratinho, todo ele geometria, que também me fascina.

O Ratinho do Luís

Hoje não escrevi muito. Julgo que que muitas palavras distraem-nos de contemplar estas obras de arte dos humildes ratinhos.