Vistas ópticas e zogroscópios

Vue de la Nouvelle Décoration de la Foire Saint-Germain

Já aqui tinha mostrado esta estampa francesa, do século XVIII, uma vue d'óptique de la foire de St. Germain, mas como descobri mais algumas informações sobre ela, resolvi voltar ao assunto, correndo talvez o risco de aborrecer os seguidores habituais do Blog com esta repetição. Mas, também é verdade que passamos toda uma existência dedicados aos mesmos temas, como se ao longo da vida estivéssemos sempre a escrever o mesmo romance ou a pintar os mesmos cinco ou seis quadros.



A legenda ao contrário intrigou-me

Na altura que apresentei esta estampa, interroguei-me sobre o significado de a legenda da estampa se encontrar invertida e não consegui chegar a nenhuma conclusão definitiva. Contudo um comentário de um leitor anónimo escrito em inglês chamou-me a atenção para o facto, de que estas estampas designadas por pelo termo francês vues d’optique eram destinadas a serem visualizadas numas caixas ópticas, que davam uma sensação de perspectiva e profundidade a quem espreitava para dentro delas.



Uma Caixa Óptica do Museu da Ciência da Universidade de Coimbra. Reparem que no Tabuleiro de baixo está a estampa.

Fiquei intrigado e fui tentar saber mais alguma coisa sobre estas vues d’optique e encontrei várias informações na Internet, bem como no site do Museu da Universidade da Ciência da Universidade de Coimbra, que possui nas suas colecções umas destas caixas, com o n. º de inventário. 483. Segundo a página web deste museu, estas vistas ópticas eram um tipo particular de gravuras coloridas, produzidas em séries pelos mais importantes editores europeus, que alcançaram enorme sucesso especialmente a partir dos anos trinta-quarenta do século dezoito, perdurando até meados do século dezanove. A finalidade destas gravuras, muito frequentemente representando vistas panorâmicas de cidades, era a de serem observadas com instrumentos especiais, as caixas ópticas, instrumento dotado de um espelho inclinado e uma lente convexa, através da qual a imagem é observada, o que tornava a observação mais cómoda. O efeito da lente é realçar a percepção que o observador tem da profundidade da cena observada.



Outro modelo de zogroscópio. Aqui percebe-se muito bem como funcionava. A estampa era colocada horizontalmente, um espelho reflectia a sua imagem e as pessoas viam a imagem do espelho através de uma lente convexa, o que criava a ilusão de profundidade. Como as estampas eram vistas através de um espelho, as legendas das vues d'optiques eram impressas da direita para a esquerda

Surgidas no século XVII, nos gabinetes de curiosidades, as caixas ópticas, por vezes conhecidas também pelo nome de zogroscópio, tornaram-se vulgares nas feiras do Século XVIII e segunda metade do XIX e eram uns aparelhos muito populares. Homens e mulheres de todas as condições sociais e idades, em troca de duas ou três moedas, podiam espreitar para dentro de uma máquina maravilhosa e verem em perspectiva aspectos das principais cidades e monumentos do mundo.



Vue d'optique de Rome

Numa época, em que poucos eram os privilegiados, que podia viajar para lá dos limites da sua aldeia ou cidade natal, estas caixas ópticas ofereciam a um preço económico a possibilidade de ver o mundo. Aliás estas estampas, primeiramente impressas em Paris e Londres, tornaram-se tão populares, que são quase o equivalente do passado aos postais ilustrados contemporâneos.





 O zogrocóspio. Uma atracção popular nas feiras. O espelho e as estampas estão disfarçados dentro de uma caixa, para criar o efeito de caixa mágica.

 

Posteriormente, na segunda metade do Século XIX, as caixas de óptica foram substituídos pelas lanternas mágicas e pela própria fotografia e as “vues d’optique” e os zogrocóspios caíram no esquecimento de todos.

 



A vue d'optique encontrou o seu lugar de reforma na claraboia da minha casa

 

Um pai do céu algarvio e os lararia romanos

Recentemente, depois de ter lido o meu post sobre os pais do céu algarvios e os seus nichos, um senhor espanhol, seguidor deste blog, enviou-me um Cristo muito ingénuo, comprado numa feira de velharias do Algarve, que me encantou e de imediato lhe pedi autorização para partilha-lho convosco. Este Cristo, de tão tosco, que é, que quase parece uma escultura românica, serviu-me também para voltar a reflectir sobre a curiosa colocação nas casas algarvias dos altares onde se punham estes cristos.

Um típico nicho nas casas algarvias onde se colocavam os Pais do Céu

Foi o Zé Júlio, que me deu a conhecer os nichos onde estas esculturas eram colocadas nas casas populares algarvias. Os dois interrogámo-nos muitas vezes acerca das razões da localização destes pequenos altares, logo na primeira divisão pela qual se entrava na casa. Normalmente nas casas portuguesas, pelo menos nas nobres, o oratório é sempre situado na divisão mais privada, o mais longe possível da porta da rua. Por estas razões, o Zé Júlio e eu chegamos a aventar a hipótese, de que colocar o altar à vista de quem passava na rua e espreitava pela porta entreaberta, seria a forma de populações cristianizadas tardiamente e à força, afirmarem a sua ortodoxia. 

Estes oratórios podem-se ver da rua

Hoje já não penso assim. Creio que estes nichos onde se colocavam os pais do céu são antes a sobrevivência dos lararia romanos. O lararium era um pequeno altar sagrado da antiga casa romana onde se realizavam oferendas e orações aos deuses guardiães do lar (os lares) e onde também se fazia o culto dos antepassados. Nestas casas, o lararium situava-se normalmente no átrio, o primeiro pátio interior, que era a zona mais pública da habitação romana, onde se recebiam as visitas e os clientes, isto é, as pessoas dependentes do senhor romano. Havia depois um segundo pátio, o Peristilo, um espaço privado, que era exclusivamente reservado à vida familiar. 

Lararium em Herculano. Foto Wikipedia

Estes pequenos nichos algarvios, colocados logo à entrada de casa, contrariando a tendência portuguesa de situar o oratório na divisão mais reservada da habitação, serão talvez uma reminiscência do lararium romano. Aliás as imagens dos lararia de Herculano e Pompeia são obviamente semelhantes aos nichos dos pais do céu.

Lararium em Pompeia. Foto Wikipedia

Resta-me agradecer ao Jesus ter-me permitido mostrar este cristo. Natural de Cádiz, o Jesus é um homem que vive rodeado de cristos e santos e que ao contrário de mim, é crente, pois segundo me escreveu, começa a ter a idade em que é mais fácil creer que descreer, uma frase bonita, revelando uma sensibilidade que me é cara.

Um Atlante numa rua alentejana

Em Sousel, no Distrito de Portalegre, numa daquelas ruas antigas da povoação, descobri a fachada de uma casa, decorada com uma figurinha muito ingénua, que parece suportar uma coluna.

Este boneco é um atlante e apesar do seu ar tão popular é um tema recorrente da arquitectura clássica. Segundo a wikipedia portuguesa Atlante é um tipo de coluna antropomorfa onde, no lugar do fuste, se apresenta a forma esculpida de um homem. 

A imagem de um homem a fazer de coluna a suportar uma parte de um edifício tem origem na figura mitológica de Atlas. 

Atlas ou Atlante era um Deus grego, mas dos mais antigos, isto é, um Titã. Estes deuses antigos, os titãs que precederam aquelas figuras, que tão bem conhecemos, como Afrodite, Atena ou Apolo, envolveram-se numa batalha terrível com os Deuses mais novos chefiados por Zeus e foram derrotados e castigados. Atlas foi condenado por Zeus a carregar o firmamento.

A imagem do antigo deus a carregar o mundo, foi usada pela arquitectura clássica desde os tempos da antiga Grécia até às primeiras décadas do Século XX. A representação dos atlantes nas fachadas dos edifícios foi a forma que os arquitectos do passado encontraram para transformar os tristes e cinzentões pilares de suporte, em qualquer coisa mais interessante e apelativo aos olhos de quem passava na rua.

O atlante no seu trabalho de suportar o firmamento encontra-se no canto inferior esquerdo da casa

Este Atlante alentejano continua ser apelativo a quem passa na rua, mas já não sustenta peso nenhum. A sua função é meramente decorativa. Julgo que a única coisa que o Atlante tem que suportar estoicamente são os fios da electricidade, com que a EDP desfigurou esta casinha e aliás uma boa parte dos edifícios históricos de Norte a Sul do País.

Aliás, um quarteirão mais à frente voltei a encontrar uma decoração da mesma família, desta vez uma espada e uma vieira de Santiago na fachada de uma casinha antiga, também atravessadas criminosamente pelos fios da EDP. Sou de opinião que uma firma como a EDP, que movimenta milhões (a julgar pelas facturas com valores exorbitantes que recebemos em casa), bem poderia começar a ter uma atitude mais responsável perante o património.

Um anjinho misterioso na casa do Manel

Há já uns anos, na Feira-da-Ladra, o Manel comprou um fragmento de um anjinho. Enfim, não sabíamos bem se era bem um anjinho, pois faltavam-lhe as asas. Seria antes um cupido ou um simples menino, um putti com lhes chamam os italianos. Nós, os portugueses, que nos habituamos a tanto anjo barroco na talha das nossas igrejas, temos sempre tendência a chamar anjinhos a estas figuras representando meninos. 

Mas este fragmento de menino intrigou-nos. Um objecto partido parece sempre mais antigo do que aquilo que realmente é e este putti parecia romanticamente desenterrado de uma escavação arqueológica qualquer. O Manel é que reparou que este objecto parecia ser uma liga com antimónio, estanho e chumbo, normalmente usada no Século XIX e inícios do XX para fazer imitações baratas do bronze. Portanto, o menino não era coisa muito antiga. Em todo o caso, não conseguimos descobrir de onde ele veio, que função teve, ou de que objecto fazia parte.

Mas como não lhe faltava o charme de um achado arqueológico, resolvemo-lo pendurar insolitamente na ponta de um candeeiro por um fio de pesca transparente, e este fragmento de qualquer coisa não identificada transformou-se numa espécie de cupido, girando no centro da cozinha do Manel, apontando para umas faianças inglesas ora virando as costas a um conjunto de pratos ratinhos.

Só muito mais tarde, consegui descobrir a função original deste bonequinho, quando trouxe para casa um velho candeeiro a petróleo e descobri, que o menino, que segurava a lâmpada era a mesma figura que o Manel tinha comprado havia dois anos. Em suma, o anjinho do Manel era nada menos nada mais que o fragmento da base de um velho candeeiro a petróleo. 

Colocámos as duas peças lado a lado e percebemos que um é o negativo do outro. Portanto estas peças deveriam ser fabricadas aos pares e seriam possivelmente colocadas em duas mesinhas de cabeceira ou fariam um conjunto de dois em cima de um fogão de sala, com um espelho ao fundo.

Não consegui descobrir muitas informações sobre o possível fabricante deste candeeiro a petróleo, feito numa liga pobre, muito em voga nos finais do século XIX, inícios do XX, que pretendia imitar os bronzes franceses, mas em todo o caso vi uma ou outra peça semelhante à venda no e-bay e presumo por isso que não seja português.

Mediante um olhar mais atento do objecto, consegui perceber que este menino, segurando a lâmpada mais não é do que uma reminiscência dos antigos anjos candelários, que enfeitavam o interior das igrejas barrocas.

E assim, se resolveu a origem do misterioso anjinho do Manel.

Castanheiros de Vinhais: um pouco da eternidade

Por todo o Concelho de Vinhais, distrito de Bragança, abundam castanheiros, enormes, muitíssimos deles mais do que centenários. Não é preciso procurar muito para os encontrar. Os castanheiros rodeiam inevitavelmente as povoações da terra fria transmontana e basta parar o automóvel à entrada e à saída de umas dessas terras para encontrar estas árvores, plantadas por gente, que viveu há trezentos ou quatrocentos anos e que não estava preocupada apenas com o momento presente. Quem as plantou sabia que estava a garantir não só o sustento dos filhos, mas também o alimento de gerações e gerações de vindouros.   

Estas árvores centenárias, que alimentaram com o seu fruto centenas ou milhares de pessoas, que viveram, morreram e estão enterradas nestas terras frias de Vinhais, fazem-nos sempre pensar que a vida humana está muito mais no passado do que no presente. O presente é sempre um momento curto, mesmo, quando a sua plenitude o faz parecer eterno.

Enfim, a frase não é minha, é da Yourcenar, dita numa entrevista a Matthieu Galley, publicada em 2011, pela Relógio de Água, com o título De olhos abertos, mas traduz muito bem os sentimentos despertados por árvores, que viram nascer 12, 20 ou 25 gerações e ainda nos continuam a alimentar neste presente, que se desfaz a cada instante.

 

 

A alegria da cor: chávena de faiança

Normalmente, os meus escritos aqui no blog andam desencontrados das épocas do ano, das comemorações e festas religiosas. Já não me recordo bem, mas julgo que no dia 5 de Outubro, já mostrei estampas com os reis de Portugal, no 25 de Abril, registos de Santinhos e fotografias melancólicas, a preto e branco, de gente que morreu há muito, em plena época estival.

Mas hoje apeteceu-me celebrar o Verão, apresentando uma chávena de faiança pintada com cores alegres e vivas, que nos fazem pensar apenas no prazer de gozar os momentos fugazes das férias e esquecer tudo aquilo, que o Governo prepara para nós quando regressarmos ao trabalho.

Sei muito pouco sobre ela. A sua forma e a pega evocam as produções da porcelana europeia e da faiança fina inglesa no século XIX. A pintura também é muito cuidada. Já não se trata de uma peça marcadamente popular. Talvez por isso, cheguei a pensar que não fosse portuguesa, mas alguma peça de faiança mais barata inglesa, francesa ou mesmo espanhola.

Colecção António Capucho, parte IV. Lisboa: palácio do Correio Velho, 2005

Contudo, a persistência obtém sempre o seu fruto e andei a folhear uns quantos catálogos de faiança inglesa, francesa e portuguesa e acabei por encontrar no catálogo do leilão da Colecção António Capucho, parte IV. Lisboa: palácio do Correio Velho, 2005, uma xícara igualzinha à minha, só que com o respectivo pires. Está atribuída a Gaia, o que é muito vago, mas já me permite situa-la como um fabrico português. Também procurei na net e a única coisa que encontrei com algumas parecenças, foi uma chávena do Museu Alberto Sampaio, de Guimarães, que a nossa Maria Andrade, já tinha mostrado no seu blog e que julgo estar também atribuída a alguma fábrica, de Gaia ou do Porto.

Coloquei a chávena nova junto à minha terrina, que nunca sei se é de Bandeira ou Fervença e juntas ficam muito bem. Formam um conjunto, que evoca um passeio de barco no Douro, em pleno Verão, em que podemos admirar ao mesmo tempo o casario antigo de Gaia e do Porto.

Um concerto ou uma volta virtual pelas bibliotecas e museus do mundo

Recentemente, na Feira de Estremoz, o Manel e eu vimos uma pequena estampa muito engraçada, certamente do século XVIII, com um preço muito simpático. O Manel perguntou-me se eu ainda tinha espaço para ela em casa, pois poder-me-ia oferece-la como prenda de anos. E eu como não tenho juízo nenhum, aceitei-a e lá tenho mais uma estampa para pôr na parede em casa, não sei exactamente aonde. Julgo que com a idade, desenvolvi uma agorafobia, isto é, o horror aos espaços vazios. Não suporto ver 10 cm de parede sem nada pendurado. 

Esta estampa representando um concerto familiar ou de amigos tem a legenda cortada em baixo, como o Manuel, bem me chamou a atenção. Contudo as inscrições relativas aos nomes do artista e gravador, Guerards Pinxit e G. Texier Sculp escaparam à tesoura assassina de algum antigo proprietário desta estampa e permitiram-me ir para o google pesquisar por estes termos. Em poucos segundos descobri no site da Biblioteca do Congresso, em Washinton, uma gravura igualzinha à minha, só que inteira, com a legenda intacta, onde se podia ler Tiré du Cabinet de Mr. le Brun. / D'après le Tableau Original de Guerards de la Grandeur de 10 pouces sur 12 de large.

o exemplar da Library of Congress

No registo da Biblioteca do Congresso, estava também identificada a obra. Trata-se do concerto, uma estampa feita a partir de uma obra do pintor holandês Gerard Pietersz van Zyl (1607-1665) e gravada pelo francês G. Textier (ca. 1750-1824), que foi um discípulo de Jacques-Philippe Le Bas, de quem já apresentei aqui uma estampa, em 24 de Março de 2011. Entre os nomes relacionados da ficha catalográfica, remetiam ainda para um senhor Le Brun, Jean-Baptiste-Pierre, 1748-1813. 

Em seguida fiz mais umas pesquisas e voltei a encontrar a mesma estampa no British Museum, só que com mais elementos adicionais. Além da identificação do gravador e artista, que já tinha encontrado na Biblioteca do Congresso, a ficha de inventário do Museu Britânico remetia-me para o nome daquilo que me pareceu de imediato o título do livro de onde tinha sido recortada a estampa Galerie des peintres flamands, hollandais et allemands de Le Brun.

Madame Vigée-Le Brun pintada por ela própria. O expoente máximo de um estilo destinado a seduzir.

Somei dois mais dois e percebi que este Monsieur Le Brun era nada menos, nada mais do que o marido da famosa artista francesa Madame Vigée-Le Brun (1755-1842), que foi pintora oficial da corte de Luís XVI e nos deixou toda uma colecção de retratos encantadores, que representam em si, o melhor do chamado estilo Luís XVI, em que as artes, sejam elas a pintura ou o mobiliário ou a moda pretendem antes de tudo seduzir. Ficaram célebres os retratos que realizou de Maria Antonieta e dos seus filhos, mas pintou também a grande aristocracia francesa e europeia.

Retrato da Baronesa de Crussol, por Madame Madame Vigée-Le Brun Toulouse, musée des Augustins

Este Jean-Baptiste-Pierre Le Brun (1748-1813) era um pintor medíocre, ao contrário da sua mulher. Também não era bom marido, bebia, jogava e não podia ver um rabo de saia, mas Monsieur Le Brun tinha um bom gosto extraordinário, era um marchánd de arte conhecido e formou na sua casa uma belíssima colecção de pintura.

Parti então para a Biblioteca Nacional de França em busca do título Galerie des peintres flamands, hollandais et allemands de Le Brun, para verificar se objectivamente esta minha estampa fez realmente parte da dita obra. Depois de algumas recherches, acabei por ir ter ao gallica.bnf.fr, o portal digital da Bibliothèque nationale de France e lá encontrei o referido livro, Galerie des peintres flamands, hollandais et allemands, ouvrage enrichi de deux cent une planches gravées d'après les meilleurs tableaux de ces maîtres, par les plus habiles artistes de France, de Hollande et d'Allemagne…, que foi editado em 1792. A minha estampa fez parte do volume I e portanto pode ser datada seguramente de 1792.

 

A folha de rosto do livro de onde a minha estampa foi retirada

Em suma, o Monsieu Le Brun, ou talvez alguém que quisesse vender as obras, pois em 1792, já tinha estalado a Revolução Francesa, mandou publicar um catálogo da sua valiosa colecção e esta minha estampa fazia parte desse livro.

Uma obra de Gerard Pietersz van Zyl. Os concertos privados e as lições de música eram temas recorrentes da sua obra

Continuei as minhas pesquisas, agora para tentar saber um pouco mais sobre o pintor, o tal Gerard Pietersz van Zyl e sobretudo para conhecer o paradeiro do quadro que deu origem à gravura. segundo li na Biblioteca do Congresso, num artigo mais extenso que entretanto encontrei, Gerard Pietersz van Zyl foi um pintor holandês do XVII, o chamado século de ouro da Holanda, bastante famoso na sua época e cujas obras na altura atingiam preços muito mais altos que as dos seus colegas Vermeer e Rembrandt. Caído hoje no esquecimento, os seus quadros são muito característicos e normalmente representam pequenos grupos em volta de instrumentos musicais. Quanto ao original, que serviu de modelo à obra não o consegui localizar, mas eu também não sou conservador de museu ou investigador e com tantos conflitos na Europa desde 1792, muitas obras se perderam para sempre.

A minha estampa já com a nova moldura