Dois Santos Antónios que não cumpriram os objectivos

 

Já apresentei aqui no blog, em 2011 e 2012 , estas duas imagens em barro de Santo António, que comprei há já uns anos. Foram os dois baratinhos pois estavam em muito mau estado. Com uma pintura policromada muito cuidada, o primeiro foi simplesmente partido ao meio e o segundo, que perdeu toda a policromia, parece ter estado enterrado e depois esfregado com palha-de-aço. Nenhum deles apresenta o Menino Jesus sobre o livro. Na época, achei que estas duas imagens tinham sido vítimas dos maus tratos do tempo e não pensei mais no assunto.

Porém pouco tempo depois, tive ocasião de visitar as ruínas arqueológicas do prédio do BCP, aqui em Lisboa, na Rua Correeiros e a guia chamou-nos a atenção para uma imagem de Santo António muito mal tratada, que apareceu no fundo de um poço ou de uma canalização, já não me recordo exactamente. Segundo a mesma guia, os arqueólogos que trabalham no subsolo dos bairros históricos de lisboeta encontram muitas vezes estas imagens partidas do santo António, pois no passado era costume castigar o referido santo se ele não cumprisse os pedidos dos devotos, atirando-o por exemplo para o fundo de um poço ou para um cano de esgoto.

 

 

 

Num texto publicado no catálogo O santo do menino Jesus: Santo António devoção e festa. - Lisboa : Instituto Português de Museus, 1995, Irisalva Moita faz também referência a este estranho costume de castigar o santo. Segundo a autora, as pessoas acreditavam que Santo António poderia recuperar objectos perdidos, aliás, a primeira repartição de perdidos e achados situava-se precisamente na Igreja de Santo António em Lisboa. Se o atendimento aos pedidos dos crentes, não fosse rápido, o devoto insatisfeito colocava o santo de costas para a parede, amarrava-o à perna de uma mesa, ou mergulhava-o na água, de cabeça para baixo, de forma a apressar o milagre. Katherine Vaz no seu romance histórico Mariana menciona que Mariana de Alcoforado e a sua irmã, ainda adolescentes enterraram uma imagem de Santo António de modo a força-lo a arranjar-lhes noivos. Como a pobre Mariana foi encerrada num convento pelo pai, o Santo António permaneceu enterrado no fundo do quintal.

 

Nenhuma das minhas imagens apresenta o atributo tradicional de Santo António, o Menino Jesus sentado no livro. Segundo ainda Irisalva Moita era costume roubar a imagem do Menino, pois acreditava-se trazer sorte ao autor da proeza.

 

Estes estranhos hábitos de maltratar a imagem do Santo revelam a familiaridade e a proximidade com que desde muito cedo os portugueses experimentaram com Santo António, a mais popular das devoções nas terras lusitanas.

 

Em suma, talvez o mau estado destas minhas duas imagens de barro não tenham sido consequência da acção do tempo, mas sim do espírito vingativo de algum crente insatisfeito, a quem o Santo não atendeu os pedidos. Um deles, foi partido, o outro talvez enterrado ou mergulhado muito tempo em água e os dois perderam o Menino Jesus. Como se diria hoje em dia, naquela infeliz linguagem da gestão, que invadiu o jornalismo, o futebol, os textos oficiais do Diário da República e a conversa dos políticos, estes dois santos antónios não cumpriram os objectivos, que lhes foram traçados pelos crentes.

 

 

Tampa de terrina de faiança inglesa: Village Church

Coleccionar velharias significa muitas vezes comprar peças desirmanadas, pires sem chávenas, puxadores de cómodas, pegas de banheiras ou cabeças de santos sem corpo. Normalmente essas peças desemparelhadas vendem-se a um bom preço e fazem colecções estranhas, mas sempre interessantes. Recordo-me que um amigo tinha uma colecção muito gira de urnas de madeira, provenientes de antigas camas, oratórios ou louceiros, todas colocadas em cima de uma cómoda ou arca antiga. Outras das colecções engraçadas que se pode fazer é de tampas de terrinas, que expostas em conjunto na parede de uma sala de jantar fazem um bom efeito.

 

O meu amigo Manel gosta de comprar tampas de terrinas de faiança portuguesa ou inglesa, que pendura nas paredes da sala de jantar. Recentemente comprou esta tampa, em faiança inglesa, com uma decoração muito cheia, em tons de azuis mais escuros, que caracteriza a produção britânica dos primeiros trinta anos do século XIX. O tema é também típico dessa época, uma cena rural envolvida numa bordadura de flores, com camponeses, uma torre de igreja, cottages e umas simpáticas ovelhinhas.

 

Foto retirada de https://www.blueandwhite.com

 

O problema é que uma tampa de uma terrina não está obviamente marcada e descobrir o fabricante não parecia tarefa nada fácil. Fui fazendo pesquisas por imagens no Google pela expressão english pottery 19th century, em combinação com country scenery ou domestic cattle e depois de ver uma centena de imagens de pratos e travessas com pastores, ruínas góticas, lagos, cavalos e vaquinhas acabei por descobrir num desses sites de venda on-line, que o nome deste padrão é o Village Church, do qual raramente aparecem poucas peças com uma identificação do fabricante e por conseguinte terá sido produzido por várias casas inglesas. Os poucos exemplares, que surgem marcados são da James and Ralph Clews, firma activa entre 1818 e 1834.

 

 

Consegui localizar na net uma terrina inteira do padrão Village Church. Fotos retiradas de http://www.sellingantiques.co.uk/271999/antique-english-georgian-blue-and-white-transfer-village-church-pattern-pottery-tureen-and-cover/

Fiz mais umas pesquisas na net, agora pelos termos Village Church e Clews pottery e tive tanta sorte, que encontrei uma terrina à venda deste padrão e pude assim ver como era bonito o conjunto formato pela terrina e pela tampa. Este padrão Village Church é realmente um bom exemplo do charme da faiança romântica inglesa dos primeiros trinta anos do século XIX.

A tampa de terrina do Manel terá sido produzida em Inglaterra entre 1818-1834, talvez pela James and Ralph Clews e o nome do padrão é o Village Church

 

Como uma princesa persa foi transformada numa Madalena penitente

 

O meu amigo Manel comprou mais uma estampa, representando Santa Maria Madalena, que de todas as pecadoras arrependidas e canonizadas, é de longe a mais popular. Esta pequena gravura é uma representação típica da bela pecadora arrependida, vestida com trajes de cortesã, longos cabelos soltos e que medita ajoelhada diante de uma mesa, onde estão um crucifixo e uma caveira. No chão está uma caixa aberta com as jóias, de que ela se despojou e toda a cena é envolvida por uma cortina de luxo.

 

A gravura não está assinada e contem apenas uma legenda S. Maria Magdalena. Provavelmente os dados com a identificação do impressor foram cortados pela habilidosa Senhora, que encaixilhou a gravura. Abri a página da Sociedade Martins de Sarmento, o melhor site para identificar registos de santos e descobri uma estampa igual à do Manel, mas inteira, contendo os dados da impressão. A gravura foi impressa por Teotónio José de Carvalho, um senhor que esteve activo em Lisboa nos finais do XVIII, inícios do XIX e vendia-se na rua do Ouro, Loja 16B. Provavelmente uma boa parte dos compradores desta gravurazinha seriam frequentadores da Igreja da Madalena, que é ali nas imediações. 

Estampa da colecção da Sociedade Martins Sarmento

Mas não fiquei satisfeito e resolvi pesquisarem inglês e francês no Google sobre esta imagem daquela figura do Novo Testamento, designada antigamente em França por La Trés Sainte demoiselle pécheresse e os resultados foram surpreendentes. Encontrei duas placas de esmalte de Limoges, exactamente com o mesmo tipo de representação e ambas do século XVII. Há apenas pequenas diferenças aqui e ali. Como as placas são ovais, o pormenor da caixa de jóias foi cortado e sobre a mesa, acrescentaram o vaso de perfume, com o qual Madalena ungiu os pés de Cristo e que é um dos seus atributos mais característicos, de tal forma que ainda hoje, Maria Madalena é padroeira dos fabricantes de perfumes.

Imagem extraída do blog de Alain.R.Truong

 

Imagem extraída do site de vendas Aguttes 

Apesar de mais de um século separar a produção das placas de Limoges e a estampa do Manel, as três tinham algo em comum, a mesma fonte iconográfica, que suspeitei desde logo que pudesse ser uma gravura. E com efeito, num desses sites de venda on-line, o “todocoleccion.net”, encontrei uma gravura francesa com a mesma representação da Madalena, ajoelhada em frente à mesa e vestida exactamente da mesma forma. A estampa não está datada, mas parece-me coisa do XVIII.

Imagem retirada de todocoleccion.net

Continuando as minhas buscas, acabei por descobrir uma gravura mais antiga provavelmente do XVII, gravada por Nicolas Bazin (1633-1710), editada por Pierre Mariette II (1634-1716) e feita a partir de um desenho de Charles Le Brun (1619–1690) e que será muito provavelmente a fonte de inspiração das gravuras e dos esmaltes já mencionados.

Imagem retirada de https://picclick.fr/Gravure-ancienne-MARIE-MADELEINE-PLEURANT-Nicolas-BAZIN-253631299911.HTML

 

Charles Le Brun foi um pintor régio na Corte de Luís XIV, com uma vasta obra de pintura, desenho, gravura e cartões para tapeçarias. Pintou pelo menos duas Madalenas, uma que se encontra no Louvre, outra no Museu de Grenoble, mas não tem nada a ver com as imagens das estampas e dos esmaltes, que venho aqui referindo. Já estava a praticamente a desistir de encontrar a pintura, que deu origem a esta gravura, quando encontro no site do British Museum uma outra estampa com uma cortesã semelhante a esta e onde se refere, que esta figura ajoelhada, foi extraída de uma grande composição de Charles Le Brun, datada de 1661, que está no Palácio de Versalhes, representando a família de Dario aos pés de Alexandre o Grande.

 

A família de Dario aos pés de Alexandre o Grande. Palácio de Versalhes

Em suma, o Senhor Charles de Brun ou o gravador Nicolas Bazin tiveram a ideia de reaproveitar a princesa da família de Dario, acrescentar-lhe um crucifixo, uma caveira e uma caixa de jóias e transformaram-na numa bela Madalena penitente.

Pormenor do quadro "A família de Dario aos pés de Alexandre o Grande". A jovem que chora foi reaproveitada e transformada numa Maria Madalena Penitente 

 

Um velho castanheiro, testemunha de amores do século XIX

A minha bisavó materna Maria da Graça esteve recolhida num convento desde que era menina até aos 29 anos. Já conhecia alguns pormenores da sua vida e até já tinha escrito sobre esta antepassada aqui no blog, mas este Verão resolvi juntar a família e visitar essa casa conventual, localizada numa aldeia perdida do concelho de Vinhais, a Mofreita.

Logo no cruzamento que dá acesso aquela aldeia, da estrada de que vem de Fresulfe, encontrámos um castanheiro várias vezes centenário, daqueles muitos que se encontram por todo o concelho de Vinhais e pensei, que certamente aquela árvore terá assistido à passagem da pequena Maria da Graça e do seu pai, em 1861, quando este a foi entregar ao Recolhimento das Oblatas, apenas com sete anos de idade.

 

A Maria da Graça era filha ilegítima de uma tal Balbina Felicíssimo e de Francisco Germano Pires e quando a mãe morreu, o pai resolveu interna-la no Recolhimento das Oblatas do Menino Jesus, instituição especializada em receber crianças pobres e órfãs. Pouco se sabe deste meu trisavô materno, mas o que a tradição familiar conservou da sua existência não é muito simpático. Seria um homem avarento, que emprestava dinheiro a juros e terá feito um casamento por interesse, com uma mulher mais velha e abastada, a Hilária, de tal forma, que na vila de Vinhais se tornou conhecido pela alcunha depreciativa do Hilário. A Maria de Graça viverá no recolhimento da Mofreita cerca de 22 anos e há uma fotografia dela e das suas condiscípulas no pátio daquela casa religiosa, que aos nossos olhos contemporâneos nos impressiona muito, já que algumas das recolhidas são meninas muito pequeninas e todo aquele ambiente que as rodeia nos parece muito pobre.

 

O recolhimento da Mofreita no século XIX

No entanto, no tempo que aqui passou Maria da Graça aprendeu a ler, a escrever e certamente algum francês, pelo menos o suficiente para ler um livro de bordados, Les jours sur toile, que ainda se conserva na casa familiar de Vinhais e que tem a sua assinatura. Para os padrões da época, em que quase 80 por cento da população portuguesa era analfabeta, a instrução que aqui recebeu foi bastante boa.

Les jours sur toile. Mulhouse: H. de Dillmont éditeur, [s.d.]. A minha bisavó terá aprendido no recolhimento algum francês, pelo menos o suficiente para ler um livro de bordados. Repare-se na sua assinatura

Segundo uma história já muito esbatida pelo tempo, mas que ainda corre na família, a Maria da Graça terá conhecido o futuro marido, Clemente da Ressureição, ainda aqui na Mofreita. Ao que consta, o meu bisavó Clemente teria um parente a viver nesta aldeia transmontana, numa casa que ainda hoje existe, um pouco mais acima do convento e numa das visitas que fez a esse familiar, do qual só se conhece o primeiro nome, Amândio, travou conhecimento com Maria da Graça, mas não sabemos em que circunstâncias. Talvez o primo Amândio tivesse no recolhimento alguma familiar e quando a visitou na companhia do Clemente, este último conheceu a Maria da Graça. Normalmente, as casas conventuais femininas tinham uma sala destinada a receber visitas, o parlatório, dividida por uma grade, onde de um lado ficam as noviças ou recolhidas e do outro, as visitas.

 

Imagem recolhida na net da Igreja do Recolhimento das Oblatas, na  Mofreita, onde se vê o local onde as recolhidas assistiam à missa.

Há cerca de uns trinta e tal anos, atrás o edifício do recolhimento não estava tão arruinado e entrei na Igreja do Convento e lembro-me de ver a grade que separava as recolhidas do resto das pessoas. Quem sabe se a Maria da Graça não passaria toda a Santa Missa olhando para o Clemente, que tinha uns belos olhos azuis. Enfim, só podemos fazer suposições, mas pelo menos é certo, que o Clemente da Ressureição nas suas idas e vindas à Mofreita teria passado pelo mesmo castanheiro centenário.

A casa do Amândio ainda hoje existe na Mofreita. Sabe-se que era parente do meu bisavô e e que chegou a Tenente

 

A Maria da Graça saiu do Convento por sua vontade com 29 anos e no caminho para Vinhais, onde foi novamente viver com pai, passou obrigatoriamente pelo mesmo castanheiro, que já era nesse tempo centenário. Viveu um ano e tal na companhia do pai, até que a 6 Junho de 1889, casou com o meu bisavô Clemente, tinha ele 31 anos e ela trinta, e com essas idades presumimos, que tenha sido um casamento feito por amor, além de que, segundo um pequeno caderno de memórias, que o meu bisavô deixou, foi uma união feita contra a vontade dos pais. Nos primeiros anos o casal terá vivido mesmo com dificuldades, já que nem os pais de um, nem de outro os ajudavam.

Maria da Graça já idosa. Reconheço nela o mesmos olhos e o mesmo queixo que eu tenho. 

Enfim, os tempos passaram e os pais lá aceitaram este casamento desigual e a Graça e o Clemente tiveram filhos, que por sua vez também tiveram outros filhos e de uma das netas do casal descendo eu. Também os meus filhos e eu passámos este Verão por debaixo do mesmo Castanheiro, que testemunhou a passagem dos meus bisavôs a caminho dos seus destinos.

 

O meu filho Henrique, trisneto da Maria da Graça e do Clemente, fotografando a árvore que viu passar os seus antepassados 

 

Fragmento de uma estante de missal mogol

Hoje escrevo sobre uma área, sobre a qual sei muito pouco, o mobiliário oriental. Enquanto, que me sinto à vontade para escrever sobre gravura, faiança portuguesa, faiança inglesa ou porcelana europeia dos séculos XIX e XX, nunca aprofundei os meus conhecimentos sobre mobiliário indiano ou indo-português. Claro, quando visitava museus ou exposições temporárias ficava sempre encantado com os contadores, os escritórios e os ventós indo-portugueses ou de estilo mogol, decorados com embutidos de marfim ou madeiras exóticas, mas sempre achei que essas peças só se encontravam nos bons museus ou então à venda por preços milionários nos grandes antiquários.

 

Mas recentemente, encontrei numa banca da feira de Estremoz aquilo que me pareceu uma estante de missal, com uma decoração em embutidos em marfim, que me pareceu semelhante às peças, que vi em exposições dedicadas à arte dos descobrimentos portugueses. Porém, quando lhe peguei, percebi que lhe faltaria uma parte qualquer para ser uma estante de Missal, mas como o trabalho dos embutidos em marfim era feito com uma mestria tão grande, resolvi compra-la na mesma, mesmo sem saber exactamente qual tinha sido a sua função original.

 

 

Os parafusos para colocação na parede foram colocados já em época recente

Chegado a Lisboa, mostrei a peça a uma especialista de arte oriental, a Conceição Borges de Sousa, que foi de opinião, que provavelmente se tratava de uma peça mogol do século XVII, na origem uma estante de missal, alterada numa época desconhecida e reaproveitada para uma nova função. A portinhola, que se abre serviu talvez para colocar um espelho ou uma imagem devota e a peça foi pendurada numa parede

A arte mogol refere-se à actividade artística de um período, que vai de 1526 a 1857, em que uma dinastia de origem turco-mongol governou a maior parte do subcontinente indiano. O apogeu político, económico, cultural e artístico dessa dinastia decorreu entre os séculos XVI e XVII. Estes mogois eram muçulmanos, mas durante o seu governo desenvolveu-se uma requintada arte de fusão entre a cultura indiana, persa e até europeia. As obras de arte mais conhecidas do grande público deste período são de arquitectura, como o célebre Taj Mahal ou então de iluminura, isto é, a ilustração de livros, onde contra a tradição islâmica se representou a figura humana.

 

Contador de mesa. Índia Mogol, primeira metade do séc. XVII. Foto reproduzida de " Missionação : a rota de Lisboa e a rota de Acapulco = Missions in the east : the route to Lisbon and the route to Acapulco / Manuel Castilho. - Lisboa : Manuel Castilho Antiguidades, 2000" 

 Até há bem pouco tempo acreditava-se que não existia propriamente mobiliário mogol, já que a vivência islâmica, que se desenvolvia sobretudo no chão, dispensava móveis. Contudo, precisamente nos séculos XVI e XVII na região de Gujarat desenvolveram-se oficinas de mobiliário, que trabalhavam para o mercado europeu e produziram peças de mobiliário ocidentais como cadeiras, contadores, escritórios e mesas, decoradas com finos embutidos de marfim e onde se misturavam elementos ocidentais, islâmicos e hindus. Essas peças eram escoadas para o Ocidente através de Goa e muitas vezes são classificadas nos museus ou antiquários como peças indo-portuguesas.

 

Estante para colocar o Corão. Índia, séc. XIX. https://www.christies.com/zh-CN/lotfinder/lot_details/?intobjectid=5362869

Terá sido o caso desta estante de missal, que de origem poderia ser uma estante tanto destinada a pousar o Corão como um livro de Missa. Normalmente nestas estantes, o intervalo entre os pés forma como que um arco indiano e são construídas com uma estrutura, semelhante a um banco de tesoura. Este formato passou também para a arte namban, muito embora nestas últimas, um dos lados da tesoura é sempre mais curto que outro.

Estante Namban do Museu Nacional de Arte Antiga. Foto http://www.matrizpix.dgpc.pt/matrizpix/home.aspx

 

Relativamente à minha peça, eu terei apenas um dos lados tesoura. A outra metade estará talvez desfeita em mil pedaços, no fundo do oceano ou a servir de bibelot algures em Portugal. Em todo o caso, este fragmento de uma estante de missal será na minha casa o vestígio de uma arte de fusão produzida na Índia, resultante dos descobrimentos portugueses, onde o cristianismo, o hinduísmo e o islão tiveram um encontro feliz, pelo menos ao nível das artes.

 

 

Alguma bibliografia e links consultados:

What happened to the mughal furniture? The role of the imperial workshops, the decorative motifs used, and the influence of western models/  Pedro Moura Carvalho
https://archnet.org/system/publications/contents/5390/original/DPC2134.pdf?1384791804

 

Missionação : a rota de Lisboa e a rota de Acapulco = Missions in the east : the route to Lisbon and the route to Acapulco / Manuel Castilho. - Lisboa : Manuel Castilho Antiguidades, 2000

 

Victoria and Albert Museum
http://collections.vam.ac.uk/item/O17688/cabinet-on-table-unknown/

 

https://www.christies.com/zh-CN/lotfinder/lot_details/?intobjectid=5362869

Santa Helena: pagela francesa do século XIX

Desde os meus trinta e poucos anos, fui-me tornando aos poucos num coleccionador de santinhos em papel, o que é um hábito estranho, já que sou um ateu empedernido. Talvez porque tenha sido sempre um homem com o gosto de estar contra a maré e até de chocar, comecei a comprar aquilo que para as pessoas do meu meio, gente de esquerda ou descristianizada, era insuportável, os santinhos, as virgens e os Cristos e outras imagens piedosas. Normalmente, o meu coleccionismo por estas imagens foca-se no século XVIII, mas por vezes gosto de algumas das pagelas do século XIX, estampadas em papel finamente recortado, como esta Santa Helena, que comprei na Feira de Estremoz pelo preço irrecusável de um euro.

Esta pagela foi impressa em Paris, por L. Turgis Le Jeune, activo entre 1855–87. A casa Turgis (1828-1928) foi uma das maiores editoras de pagelas e outras beatices do seu tempo e em 1858 abriu até uma filial em Nova Iorque, para satisfazer as encomendas dos milhões e milhões de católicos, apostólicos e romanos de todas as Américas. Portanto, as estampas da Casa Turgis encontram-se um pouco em todo o mundo Católico, são baratas e apesar de uma certa religiosidade piegas, que denotam, não deixam de ter um certo charme.

 

O verso da pagela. Impressa em Paris por L. Turgis Le Jeune

Esta Santa Helena viveu entre 250 e 329 no espaço do antigo Império romano e foi mãe do primeiro imperador cristão, Constantino e terá sido ela quem descobriu na Terra Santa a Cruz onde Cristo foi supliciado, bem como os pregos e outros instrumentos do martírio. Helena é uma figura interessante. Terá tido uma origem humilde e trabalhava numa estalagem quando conheceu o general Constâncio Cloro, com quem casou e teve filhos. Este Constâncio Cloro estava preparado para grandes voos e acabou por chegar a imperador de Roma, não sem antes repudiar a pobre Helena, cuja origem humilde não combinava muito bem com os cargos importantes que veio a acumular. Porém, quando o Imperador Constâncio Cloro morreu, quem herdou a púrpura imperial foi Constantino, o filho de ambos, que chamou a mãe à corte, concedendo-lhe o título de Augusta, bem como alguma preponderância nos negócios de estado. Segundo a tradição, terá sido Helena quem influenciou Constantino no sentido de conferir liberdade de culto aos cristãos através do édito de Milão, em 313.

A iconografia típica de Santa Helena: a Cruz, a coroa, o manto imperial e os três pregos da Cruz

Contudo Helena notabilizou-se na história Cristã, por ter descoberto a cruz onde Cristo foi supliciado, numa viagem que empreendeu à terra Santa, transportando-a de volta consigo para Constantinopla.

 

No fundo Santa Helena é a precursora de um vasto movimento que se estenderá por toda a Idade Média e Idade Moderna de procura de relíquias relativas à vida de Cristo, da Virgem e das centenas de santos, que preenchem o calendário católico. Depois dela, empreendem-se viagens à Terra Santa e à Ásia Menor para encontrar o dedo de um santo ou o manto de uma mártir ou a unha de uma santa. As igrejas orgulhavam-se de ter nas suas colecções de relíquias, objectos tão estranhos aos nossos olhos contemporâneos, como o cordão umbilical do Menino Jesus ou o seu prepúcio ou uma pena da pomba do Espírito Santo. Pedacinhos da Cruz eram então às centenas por toda a Europa, de tal forma que no Renascimento, os humanistas comentavam com ironia que se juntassem em todos os lenhos da Santa Cruz, um barco inteiro não seria suficiente para os transportar.

 

Na verdade, esta proliferação de relíquias tem uma explicação, que faz sentido do ponto de vista religioso. No passado, quando se fundava uma igreja nova, por exemplo dedicada a um santo mártir, pedia-se a uma igreja mais antiga para ceder um dente da caveira do mesmo santo e era à volta dessa relíquia que erguia o novo templo.

 

 

Em conclusão, Santa Helena é a pioneira desta procura incessante de relíquias, que é um dos traços mais fortes de todo o Cristianismo. Também por essa mesma razão, no cristianismo ortodoxo, Helena de Constantinopla é a padroeira dos arqueólogos.

 

Alguma bibliografia e links consultados:

 

Iconographie de l'art chrétien / Louis Réau. - Paris : Presses Universitaires de France, 1955

 

http://www.gianlucalocicero.com/merlettati-del-xix/l-turgis/

 

https://fr.wikipedia.org/wiki/H%C3%A9l%C3%A8ne_(m%C3%A8re_de_Constantin)

Açucareiro e caixa de chá em casquinha

Apesar de ter não sei quantos açucareiros em casa, expostos num pequeno louceiro, no dia-a-dia deitava açúcar directamente do boião para a chávena. Como a minha filha se tivesse queixado dessa prática um pouco desleixada, resolvi comprar um açucareiro para uso corrente na feira de velharias de Estremoz. Encontrei um velho açucareiro em casquinha, bonito é certo, mas que já tinha perdido praticamente quase todo o banho de prata, a que foi submetido aquando do seu fabrico. Mas, como era de metal, portanto inquebrável e até me agradava aquela cor velha entre o vermelho e o dourado, comprei-o por um preço muitíssimo em conta. Aproveitei e comprei uma caixa de chá com a mesma decoração e que também já tinha perdido toda a casquinha de prata.

 

Antes da aplicação do Pratex

Coloquei as duas peças a uso e vivia contente com elas, até que o meu amigo Manel me falou num produto, o Pratex, que devolve a prata, às velhas peças, que perderam o seu revestimento original. Resolvi levar o açucareiro e a caixa de chá para o Alentejo, onde mediante um algodãozinho lhes apliquei o Pratex, deixei secar e puxei lustro e o resultado foi maravilhoso, tão fantástico, que resolvi nalgumas zonas, aplicar em menor quantidade o preferido produto, para deixar aqui e acolá alguma patine, o chamado toque do tempo.

Antes da aplicação do Pratex

Aproveitei também a ocasião para tentar apurar alguma coisa acerca da época e do local onde estas peças foram produzidas, mas obtive poucos resultados. No verso, o açucareiro apresenta a marca EPNS, sigla que se refere ao método pela qual a peça foi prateada, Electro Plated Nickel Silver e não a um fabricante em especial. No fundo a sigla EPNS servia para o consumidor saber que estava a comprar um açucareiro ou uma salva com um banho em prata e não uma genuína peça em prata. O açucareiro apresenta umas marcas na asa, mas tão pequeninas, que não as consegui ler.

EPNS (Electro Plated Nickel Silver)

 

Não consegui identificar as marcas na asa

O processo EPNS (Electro Plated Nickel Silver) foi inventado logo nos primeiros anos do século XIX, mas só começou a ser aplicado à indústria a partir de 1840 pelos ingleses George Elkington and Henry Elkington e rapidamente se generalizou pela Europa e pelos Estados Unidos. A sigla EPNS foi usada sobretudo pelos fabricantes ingleses e americanos.

 

Caixa de chá encontrada à venda no e-bay em Inglaterra e dada como peça vitoriana.

Não consegui avançar muito mais nas minhas pesquisas sobre a identificação destas duas peças, mas encontrei muitas peças com decoração semelhante ou igual à venda nos sites ingleses, datadas dos finais do século XIX e nessa época mercado da casquinha era dominado pelo Reino Unido. É provável que este açucareiro e esta caixa de chá tenham sido feitos em Inglaterra, nos finais do século XIX ou mesmo até no início do XX, por algum fabricante de Sheffield, cidade inglesa onde se concentrou grande parte da indústria de cutelaria, aço e metais do Reino Unido.

 Alguns links consultados: http://www.silvercollection.it/dictionarysilverplatesymbols.html